Künstler

Singulart Künstler in öffentlichen Museen

Dieser Artikel befasst sich mit der Aufnahme der Werke von Singulart Künstlern in Museen. Mit der Frage, warum es für sie wichtig ist, woher sie ihre Inspiration beziehen, sowie mit Ratschlägen für junge Künstler.

Warum öffentliche Museen?

Es ist eine große Ehre, für eine permanente Ausstellung in einem Museum ausgewählt zu werden. Es ist daher wichtig für die Karriere eines Künstlers, denn es ist ein Zeichen für die Legitimität seiner Arbeit. Die Zusammenarbeit mit einem öffentlichen Museum signalisiert Sammlern und Käufern, dass ihr Werk von Experten anerkannt wurde. Sobald ein Künstler in einem Museum ausgestellt wird, steigen seine Preise bei einer Auktion deutlich an.

Alles in allem stellen sie eine höhere Nachfrage nach ihrer Arbeit fest, so wie es beispielsweise bei den Werken von Peter Doig und Jeff Koons der Fall war. Museen ermöglichen den Künstlern auch eine weitergehende Vermittlung und Ausstellung. Daher sind öffentliche Museumsausstellungen besonders interessant für diejenigen, die am Anfang ihrer Karriere stehen.

Öffentliche Museen VS Kommerzielle Kunstgalerien

Während kommerzielle Kunstgalerien es Künstlern erlauben, Kunst auszustellen und zu verkaufen, werden Kunstwerke in Museumssammlungen so ausgewählt, dass sie als Objekte von kultureller, historischer oder wissenschaftlicher Bedeutung für die Öffentlichkeit präsent sind. Ein Museum ist eine Institution, die eine Geschichte zu erzählen hat – Kunstwerke, die ausgewählt wurden, werden zu wichtigen kulturellen Markern. Wir haben Künstlerinnen und Künstler von Singulart interviewt, die mit öffentlichen Museen wie dem MoMA NYC, V&A London und dem Van Gogh Museum, Amsterdam, zusammengearbeitet haben.

Laddie John Dill

Laddie John Dill

Laddie John Dill hatte weltweit über 60 Einzelausstellungen und 150 Gruppenausstellungen. Unter diesen Ausstellungen hat er mit dem LA County Museum of Art und dem MoMA NYC zusammengearbeitet. Laddies Karriere begann damit, dass er seine Kunstwerke in öffentlichen Museen und hochkarätigen Galerien zeigte, was ihn zu dem renommierten Künstler machte, der er heute ist.

Auf die Frage nach seiner Lieblingserinnerung in öffentlichen Museen antwortete er, dass die Zusammenarbeit mit dem MoMA die einzigartigste Erfahrung seiner Karriere bleibt. Bereits 2011 beschloss das MoMA, seine Sand Piece-Ausstellung von der Galerie David Zwirner in NYC zu erwerben. Sein Kunstwerk bestand aus Sand, Glas und Röhren. Das MoMA erwarb sieben Pfund Sand. Laddie war besorgt, dass das Museum das Stück zwar erwerben, es aber nie zeigen würde. Ein Jahr später bat das MoMA Laddie, sein Werk im Museum zu installieren.

Laddie hob den Grad an Professionalität hervor, der mit der Installation einherging und diese Erfahrung so einzigartig machte. Laddie genoss die Tatsache, dass er ohne Komplikationen sein eigenes Ding machen konnte, da ihm fünf Helfer zur Seite standen, was den Prozess wesentlich reibungsloser machte. Dies war für ihn eine andere Erfahrung als bei Galerien, wo Künstler manchmal ein Mikromanagement betreiben müssen.

Außerdem dauerte die Installation eine Woche, und während dieser Zeit war das Museum geöffnet. Einige Besucher konnten sich den gesamten Installationsprozess ansehen, was das Erlebnis zu etwas Besonderem machte. Es war so einzigartig, dass Laddie weiterhin mit dem MoMA zusammenarbeitet. Das Museum plant eine Licht- und Raumausstellung mit Laddie, sobald sich die sanitäre Krise beruhigt hat. Die Kunstwerke von Laddie sind für alle internationalen Museen gedacht. So wie im Museo Acheologico di Napoli im Jahr 2017.

Antiquitas in Luce (2017) – Laddie John Dill Ausstellung im Archäologischen Museum von Naples © Laddie John Dill

Als er gebeten wurde, jüngeren Künstlern seinen Rat geben, sagte Laddie: „Schieß hoch. Setzen Sie Ihre Erwartungen nicht herab. Wenn Sie sich bei der Zusammenarbeit mit einer Galerie oder einem Museum unsicher sind, dann tun Sie es nicht. Es ist Ihnen erlaubt, nein zu sagen. Gehen Sie nicht auf die Galerien zu, lassen Sie die Galerien auf sich zukommen“.

Pieter Ceizer

Pieter Ceizer

Der niederländische Maler Pieter Ceizer arbeitet derzeit an einer Zusammenarbeit mit dem Van Gogh Museum in Amsterdam. Im Dezember dieses Jahres wird Pieter Ceizer seine ganz eigene Version von Van Goghs Stillleben „Quitten, Zitronen, Birnen und Trauben“ präsentieren.

Normalerweise in Paris beheimatet, ist diese Zusammenarbeit in Amsterdam eine Gelegenheit für den Künstler, sich wieder mit seinen niederländischen Wurzeln zu verbinden. Es ist auch eine Gelegenheit, seine Inspiration in Van Goghs Gemälden zu erforschen. Wie Van Gogh verließ Pieter die Niederlande und zog nach Paris. Der Umzug nach Paris veränderte Van Goghs Kunst, als er 1886 das Licht entdeckte. In Paris begann Vincent mit helleren Farben, helleren Schattierungen und der Farbe Gelb zu arbeiten.

In ähnlicher Weise war Paris für Ceizers Kunst ein Ort des Wandels. Er arbeitete mit französischen Unternehmen wie Colette, Air France, Ralph Lauren zusammen. Er bot Paris sein Universum aus leuchtenden Farben, tänzerischen Formen, Poesie und Ermächtigung an.

© Pieter Ceizer

Die Ausstellung in einem öffentlichen Museum wie dem Van Gogh-Museum ist für Ceizer eine Möglichkeit zu zeigen, dass zeitgenössische Kunst mit Ikonen in Verbindung gebracht werden kann. Pieter hofft, Ideen in den Kopf des Publikums einzupflanzen und seine Gedanken positiv zu beeinflussen, um zu zeigen, dass Kunst überall ist. Seine Zusammenarbeit mit dem Van Gogh-Museum ist für Pieter eine Chance, ein neues und vielleicht anderes Publikum zu erreichen und seine Inspiration zu erforschen.

Für Pieter ist die Zusammenarbeit mit einem Institut wie dem Van Gogh-Museum, eine Anerkennung seiner Existenz als Künstler. Zu aufstrebenden Künstlern sagt Ceizer: „Das Leben ist keine To-Do-Liste, also investiere weiterhin in dich und deine Kunst, du wirst den Rest auf natürliche Weise anziehen“ .

Pieter Ceizer bei der Arbeit an seiner Neuinterpretation von
„Quinces, Lemons, Pears and Grapes“ von Van Gogh
© Pieter Ceizer

Sol Kjojk

Sol Kjojk

Sol Kjøk ist eine norwegische Künstlerin, die in NYC lebt. Ihre Arbeiten werden in den ständigen Sammlungen von Museen auf drei Kontinenten ausgestellt: Cincinnati Art Museum in den USA, dem Kunstmuseum der Provinz Shaanxi in X’ian, China, dem Osten Museum of Drawings in Skopje, Mazedonien, und dem Teckningsmuseet in Laholm, Schweden.

Alle Werke von Sol in öffentlichen Museumssammlungen sind Zeichnungen, die sie selbst und ihre Freunde in verschiedenen Konstellationen von nackten, im Raum schwebenden Körpern darstellen.

Sol ist der Ansicht, dass es wichtig ist, als Künstler in einem öffentlichen Museum auszustellen, weil die Vertretung in Museumssammlungen, ähnlich wie bei akademischen und professionellen Referenzen, eine weitere Ebene der offiziellen Legitimität der eigenen Praxis hinzufügt: Sie besagt, dass das Werk von Experten aus der Kunstwelt bewertet und genehmigt wurde.

Sol’s Arbeit im Shaanxi Province Art Museum X’ian, China.

„Das macht meine Stücke bei Sammlern noch begehrter. Noch wichtiger ist, dass die Einbeziehung der Museen zu einer größeren Bekanntheit beiträgt: Meine Botschaft erreicht mehr Menschen, was für mich letztlich die treibende Kraft ist“.

Zu jungen Künstlern sagt sie, man brauche genau die gleiche Kombination aus Beharrlichkeit und Glück, auf der alle erfolgreichen Künstlerkarrieren aufbauen: Trotz aller Rückschläge und Ablehnungen müsse man das Werk immer wieder neu schaffen und es immer wieder in die Öffentlichkeit bringen, am besten an Orten, an denen es Museumskuratoren zur Kenntnis nehmen.

Roger Ballen

Roger Ballen. Portrait von Marguerite Rossouw

Roger Ballen ist einer der einflussreichsten Fotografen des 21. Jahrhunderts. Der südafrikanische Künstler wird in zahlreichen internationalen Museen wie dem MoMA, dem Brooklyn Museum, dem Centre Georges Pompidou und dem V&A gesammelt. Er begann im Jahr 1995 in öffentlichen Museen auszustellen und erinnert sich an eine seiner ersten großen Ausstellungen in der Royal Festival Hall in London im Jahr 1994.

Wir sprachen über seine jüngste retrospektive Ausstellung im Museum Francisco Carolinum in Linz, Österreich: Roger the Rat, mit Bildern, die sich über seine gesamte 50-jährige Karriere erstrecken. Die Ausstellung ist nach Serien gegliedert, die aus Buchveröffentlichungen stammen – die meisten der ausgewählten Bilder sind ikonenhaft aus seiner Karriere, ebenso wie seine jüngste „Roger the rat“-Publikation.

Die Bilder der Roger-Ballen-Sammlung wurden sehr ästhetisch aufgehängt, mit Etiketten für jede Serie, die in großen, aber subtilen Schriftzügen angebracht waren.

Roger Ballen, Smoked Out, 2020

Ballens Bilder sind sehr psychologisch, so dass nur wenige Menschen sie vergessen. Sie haben die Fähigkeit, sich in das Unterbewusstsein des Betrachters zu versetzen. Er sagt uns, dass er seine Inspiration aus seiner eigenen Arbeit schöpft, indem er zum Ausdruck bringt, dass „wenn man nicht von dem inspiriert wird, was man tut, dann wird man es nie sehr gut machen“.

Ballen wurde sowohl durch den Film als auch durch seine Fotografie bekannt. Eine Karriere konnte durch viele verschiedene Medien beschleunigt werden. Ballens Ratschlag für junge Künstler lautet, dafür zu sorgen, dass sie an einem kohärenten Gesamtwerk arbeiten, das sie für Kuratoren von Museen fotografieren können. Es ist auch wichtig, sicherzustellen, dass der Chefkurator eine Affinität zu dem Werk hat, da dies das Ergebnis der Ausstellung beeinflusst.

©Michael-Maritsch 

Er fügte hinzu, dass es keinen klaren Weg oder eine einfache Formel gebe, da es in der Kunstwelt sehr wenig Objektivität gebe. Wenn Sie von dem, was Sie tun, überzeugt sind, sollten Sie die Museen kontaktieren und einen Termin vereinbaren.

Künstler zu sein erfordert viel harte Arbeit und Hingabe. Es ist wichtig, eine Leidenschaft für das zu haben, was man tut, und einen hohen Standard aufrechtzuerhalten.

Peter Bardazzi

Peter Bardazzi

Der renommierte Künstler Peter Bardazzi stellte seine Werke in Galerien, Museen und sogar in Universitätsmuseen aus, vom 21st Century Museum of Contemporary Art in Japan bis zum Whitney Museum of American Art und MoMA, NYC.

Das MoMA erwarb 1971 sein Kunstwerk „Ohne Titel“ (unten), das eine sehr expressive Abstraktion von im Raum wirbelnden Maschinenelementen ist. Bardazzi erinnert sich, dass er sich nicht dafür entschieden hat, im MoMA auszustellen, sondern das MoMA wählte ihn. Peter ist der Meinung, dass es für Künstler wichtig ist, sich niemandem aufzudrängen.


The Museum of Modern Art, NY collection. 1971, „Untitled“ Bleistift auf Papier. 
26 1/8 x 40″ (66.3 x 101.6 cm).

Für ihn haben kommerzielle Galerien und öffentliche Museen unterschiedliche Verantwortlichkeiten in der Art und Weise, wie sie Kunst repräsentieren. Kommerzielle Galerien müssen Kunst und Künstler verkaufen. Öffentlichen Museen geht es eher darum, die Kunst so zu schätzen, wie sie ist, und ein breiteres Publikum zu erreichen. Kommerz und zeitgenössische Kunst sind nicht gleichwertig, sondern stehen in ständiger Interaktion.

Peter Bardazzi im Kunstmuseum Neuberger, Museumsausstellung (2006)

Das Ausstellen in öffentlichen Museen hat Peter Bardazzi geholfen, als relevanter und seriöser Künstler anerkannt zu werden. Wenn eine große Institution dich als zeitgenössischen Künstler anerkennt, der frische Ideen auf experimentelle Weise produziert, schafft dies ein starkes Verantwortungsgefühl, auch gute Kunst zu schaffen.

Aufstrebenden Künstlern empfiehlt Bardazzi sich an Museen und Kunstinstitutionen zu wenden, die Ihren Ideen und Fragen folgen.

The 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan Museumsausstellung von Peter Bardazzi (2011)

Peter Max-Jakobsen

Peter Max-Jakobsen

Peter Max-Jakobsen ist ein gefeierter Maler und Bildhauer aus Dänemark. Er hatte 2010 eine Einzelausstellung im Vendsyssel Museum of Art unter dem Titel „Human Perspectives“ (88 Kunstwerke aus den Jahren 2000-2010).

Nur ein Jahr, nachdem er sein Diplom von der Königlichen Kunstakademie in Holland KABK erhalten hatte, wurde er eingeladen, in diesem Museum eine Installation aus LED-Leuchten und Lautsprechern zu bauen. Max-Jakobsen war der erste Gastkünstler, der 2003 im neu gebauten AIR im Vendsyssel Museum of Art arbeitete. Als wir Peter fragten, warum er das Zeigen in öffentlichen Museen für wichtig halte, sagte er:

„Ich glaube, jeder Künstler hält das für sehr wichtig. Ich denke, dieses Gefühl rührt daher, dass die meisten von uns dort (im Museum) zum ersten Mal in ihrem Leben tatsächlich mit Kunst in Berührung kommen. Man hat das Gefühl, dass dort die Kunst zu Hause ist. Das Museum dient als Filter, um nur die Speerspitze der zeitgenössischen Kunstszene zu präsentieren“.

Mit seiner Kunst erforscht er die Tiefen der Normalität. Er beschreibt endlose graue Wochentage, die mit „existentiellen Fragen und stürmischen Höhen“ gefüllt sind. Die meisten seiner Inspirationen stammen aus philosophischen Romanen. Viele Menschen in Skandinavien schreiben über Situationen des täglichen Lebens, und er findet diese endlos faszinierend.

Zu den dänischen Künstlern, denen sich Max-Jakobsen künstlerisch verbunden fühlt, gehören Palle Nielsen (1920-2000), Christian Lemmerz (1959-) und Jørgen Haugen Sørensen (1934-).

Dieses Foto ist aus meiner Einzelausstellung im Vendsyssel Museum of Art „Human Nature“ 2010. Von links nach rechts: „Floor Exercise 1“ von 2001, „Floor Exercise X“ von 2009 und „Werkzeugübung 5“ von 2005. Davor ist die Installation „OFFICE“ von 2008 zu sehen.

Norman Lerner

Norman Lerner

Der internationale Künstler Norman Lerner teilte seine Erfahrungen mit öffentlichen Museen. So arbeitete er beispielsweise mit dem Metropolitan Museum of New York, dem Housatonic Museum of Art in Connecticut sowie dem MoMA, NYC, zusammen.

Norman erinnerte an seine Erfahrung und erklärte, dass er Aquarelle malte, um sich nach seinem Arbeitstag als Modefotograf zu entspannen.

© Norman Lerner

Ohne zur Schule zu gehen oder eine Ausbildung zu absolvieren, glaubt Norman, dass er als Künstler geboren wurde. Aus seiner Leidenschaft heraus entstand die Fotoserie „The Window People“, die ihn berühmt machte. Einige Zeit später wurde diese Serie gekauft und im Metropolitan Museum of Art in New York ausgestellt.

Für Norman sind öffentliche Museen dazu da, innovative Werke zu zeigen und diese Werke für zukünftige Generationen zu bewahren. Für ihn erfordert die Arbeit mit Museen viel Arbeit, Exposition und Förderung, und letztlich sind Timing und Glück entscheidend, die nicht kontrolliert werden können.

© Norman Lerner

Norman benutzt seinen Nachnamen „lerner“ als Ratschlag, um das Leben und die Künste zu erlernen. Ein Künstler muss erforschen, studieren und Erfahrungen sammeln, um vom Leben inspiriert zu werden. Wenn es kein Leben gibt, gibt es auch keine Inspiration.

Alejandro Arango

Alejandro Arango

Wie Lerner stellte auch der mexikanische Künstler Alejandro Arango seine Werke an der MET in NYC aus. Sein Kunstwerk Invocation wurde in den 1990er Jahren vom Kurator William Lieberman angekauft. Von ihm ist das Ausstellen in einem öffentlichen Museum der Ort, an dem sich alles verbindet. Der Künstler, die Sammler, die Kunstliebhaber, die Medien und vieles mehr. Museen sind Orte, an denen Sie Ihre Kunst allen zeigen und ihnen die besten Werke zeigen können, die Sie je geschaffen haben.

Für Arango sind Museen ein Fenster zu allen möglichen Menschen, und das ist es, was die Karriere eines Künstlers stärkt. Um dorthin zu gelangen, glaubt Alejandro, dass es für einen Künstler wichtig ist, ehrlich zu sich selbst und diszipliniert zu sein. Schließlich muss man seiner Kunst treu bleiben, egal was passiert.

© Alejandro Arango

Das Ausstellen in öffentlichen Museen ist ein Privileg für Künstler, um Exposition und Legitimität zu erlangen. Tatsächlich sind Museen in der Kunstwelt genauso wichtig wie Galerien, weil sie der Ort sind, an dem wir alle unsere ersten Kunstentdeckungen machen. Daher spielen öffentliche Museen sowohl im Leben des Künstlers als auch des Betrachters eine wichtige Rolle, wenn es um Kunst geht. Die Zeugnisse der Künstler zeigen, wie unterschiedlich es sein kann, in einem öffentlichen Museum auszustellen und die Karriere eines Künstlers für immer zu beeinflussen.