Lassen Sie uns diese Gelegenheit nutzen, um unsere Kunstgeschichte aufzufrischen und einige der Frauen kennenzulernen, die die Kunstwelt für immer verändert haben. SINGULART möchte diese Woche mit der Veranstaltung „Mit ihren Augen sehen“, Frauen in der Kunst hervorheben und feiern. Um die Frauen zu feiern, die derzeit unser Weltbild prägen, müssen wir zunächst die Vergangenheit studieren und den Frauen huldigen, die den Weg geebnet haben.
Caterina van Hemessen (1528–1588)
Als eine der frühesten flämischen Renaissancemalerinnen ist Hemessen eine der wenigen, die durch ihr hinterlassenes Werk nachgewiesen werden kann. Ihr Werk besteht in erster Linie aus kleinformatigen Frauenporträts zwischen den 1540er und frühen 1550er Jahren sowie einigen religiösen Kompositionen. Es wird gesagt, dass Caterina van Hemessen die erste Künstlerin war, die ein Selbstporträt geschaffen hat, das einen Künstler einfängt, der an einer Staffelei sitzt.
Natürlich gab es in dieser Zeit einige Hindernisse, die Malerinnen wie van Hemessen im Weg standen. So durften sie nicht studieren, wie viele ihrer männlichen Kollegen, und auch der männliche Akt oder das Sezieren von Leichen waren für Frauen verboten. Außerdem war es üblich, dass junge Kreative im Alter von 9 bis 15 Jahren für vier oder fünf Jahre bei einem Malermeister leben, was für Frauen fast unmöglich war, da ihre Pflichten als Frau und das, was die Gesellschaft von ihnen erwartete, immer Vorrang hatten.
Artemisia Gentileschi (1593–1653)
Artemisia Gentileschi war eine italienische Barockmalerin, die sich darauf spezialisierte, Frauenszenen aus Mythen, Allegorien und der Bibel zu malen. Die Frauen wurden in verschiedenen Szenen des Leidens oder des Sieges dargestellt. Ihre bekanntesten Werke sind Susanna and the Elders, Judith Slaying Holofernes und Judith and Her Maidservant. Sehr beliebt ist auch ihr Selbstporträt, in dem sie sich selbst als „Allegorie der Malerei“ darstellt. Als Malerin im 17. Jahrhundert war Gentileschi eine Rarität. Sie gilt auch als eine feministische Ikone, da sie als junge Frau an der Verfolgung ihres Vergewaltigers beteiligt war.
Nachdem sie von ihrem Vater mit dem Maler Pierantonio Stiattesi verheiratet wurde, zog Gentileschi nach Florenz, wo sie eine erfolgreiche Hofmalerin im Palast der Medici sowie Karl I. von England wurde. Bald darauf wurde sie die erste Frau, die in die Accademia delle Arti del Disegno (Akademie der Zeichenkünste) aufgenommen wurde. Im Laufe ihrer Karriere lebte sie in Rom, Genua, Neapel und London und stellte viele berufliche Verbindungen her, die ihr halfen, ihre künstlerische Praxis zu entwickeln.
Marie-Gabrielle Capet (1761–1818)
Marie-Gabrielle Capet war eine neoklassizistische Malerin aus Frankreich, deren künstlerische Ausbildung unbekannt ist, die aber ihre Karriere als Malerin 1781 begann, als sie Schülerin von Adelaide Labille-Guiard in Paris wurde. Mit der Unterstützung dieser Künstlerin konnte Capet eine Karriere auf Auftragsarbeiten der oberen Mittelschicht, des Adels und schließlich sogar des Königshauses aufbauen.
Zu ihren Arbeiten gehören Ölgemälde, Miniaturen sowie Aquarelle und sie brillierte als Porträtistin. Trotz ihres Talents und ihrer Klientel sehen Kunsthistoriker verschiedene Gründe, warum sie nach ihrem Tod in Vergessenheit geriet. Pastellfarben waren nicht mehr in Mode, die meisten ihrer Werke wurden in privaten Sammlungen aufbewahrt, die sich im Laufe der Zeit verstreuten und weil die Gesellschaft die Arbeit von Künstlerinnen ständig herabsetzt und aktiv vergisst.
Rosa Bonheur (1822–1899)
Rosa Bonheur war eine Meisterin des Realismus und erhielt im 19. Jahrhundert Anerkennung in nie dagewesenem Ausmaß als Künstlerin. Bekannt für ihre unglaublich realistische Malerei, die oft Tiere zeigt, war sie erst 19 Jahre alt, als sie ihr erstes Kunstwerk mit dem Titel „Two charming groups of a goat, sheep, and rabbits“ (1814) in Paris in der Académie des Beaux-Artsausstellte. Ihr berühmtestes Gemälde ist zweifellos „The Horse Fair“ (1852-55), das im Metropolitan Museum of Art in New York ausgestellt ist, wo es aufgrund seiner monumentalen Größe von 2 x 2,5 m eine ganze Wand einnimmt. Frauen als Malerinnen waren in dieser Zeit selten und so musste Bonheur Wege finden, sich anzupassen, um Belästigungen zu verhindern und Geschlechtsnormen zu widerstehen. Sie ging für ein paar Jahre auf den Pariser Pferdemarkt, wo sie an diesem Gemälde arbeitete und sie erhielt die Erlaubnis der Polizei, männliche Kleidung zu tragen, um sich zu vermischen und in Frieden zu arbeiten.
Bonheur war für ihre Gleichgültigkeit gegenüber Männern bekannt und schätzte deren dominante Rolle sowohl in der Familie als auch in der Gesellschaft nicht, was sich am besten in einem ihrer Zitate zusammenfassen lässt: „Was die Männer betrifft, so mag ich nur die Stiere, die ich male.“
Bonheur ist auf einem Friedhof in Paris zusammen mit ihrer Lebensgefährtin Nathalie Micas begraben, die vor Bonheur verstorben ist. Ihre spätere Lebensgefährtin Anna Elizabeth Klumpke, eine amerikanische Malerin, wurde ihre alleinige Erbin und wurde später auf demselben Friedhof begraben.
Harriet Powers (1839–1910)
Harriet Powers, ursprünglich aus dem ländlichen Georgia, war eine afroamerikanische Sklavin, die als Quiltmacherin und Volkskünstlerin bekannt war. Durch ihre Näh- und Applikationstechniken erzählte sie Geschichten von lokaler Folklore, Legenden, Bibelgeschichten und astronomischen Ereignissen. Im Jahr 2009 wurde ein Brief von ihr entdeckt, der enthüllte, dass Powers Geschichten, die sie selbst las, in bildhafte Meisterwerke verwandelte, was darauf hindeutet, dass sie eine gebildete Frau war – eine große Leistung für eine Frau in der Sklaverei. Obwohl nur zwei ihrer Quilts überlebten „Bibel Quilt“ (1886) und „Pictorial Quilt“ (1898) zählt zu den schönsten Beispielen für die südliche Steppung des 19. Jahrhunderts.
Hilma af Klint (1862–1944)
Hilma af Klints Gemälde gehörten zu den ersten bekannten abstrakten Werken, die geschaffen wurden. Die schwedische Künstlerin wurde jedoch innerhalb der abstrakten Kunstbewegung übersehen. Männliche Kollegen wie Piet Mondrian und Wassily Kandinksy erhielten die ganze Aufmerksamkeit und Anerkennung. Es ist wichtig zu beachten, dass ihr abstraktes Werk den ersten rein abstrakten Kompositionen Kandinskys vorausgeht.
Klint gehörte zu The Five, einer Gruppe von Frauen, die den Glauben an die Bedeutung der Kontaktaufnahme mit den sogenannten Hohen Meistern teilten, oft durch Séances. Wir können oft Diagramme in ihren Gemälden entdecken, eine visuelle Darstellung ihrer komplexen spirituellen Ideen.
Ljubow Popowa (1889–1924)
Die Künstlerin Ljubow Popowa, die sich selbst als kubistische, suprematistische und konstruktivistische Künstlerin betrachtete, war sicherlich eine der einflussreichsten Künstlerinnen der russischen Avantgarde. 1915 entwickelte sie ihre eigene Variante der nicht-objektiven Kunst und wurde zur Ikone, die Variante basierte auf Prinzipien der Ikonenmalerei und avantgarde-Ideen.
In den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts schloss sie sich den Konstruktivisten an und widmete sich 1921 voll und ganz dem Industriedesign. Sie glänzte sowohl in Kleidung und Stoffen als auch in Industriedesign und produzierte Bücher, Keramik, Fotomontagen und Poster. Leider starb sie 1924 in Moskau im Alter von nur 35 Jahren an Scharlach.
Augusta Savage (1892–1962)
Augusta Savage war Lehrerin, Bildhauerin und Aktivistin, die sich für gleiche Rechte für Afroamerikaner in den Künsten einsetzte. Obwohl sie 142 Männer auf der Warteliste für ein Kunststudium am Cooper Union College schlug, wurde sie 1923 von der französischen Regierung wegen ihres Rennens für ein Sommerkunstprogramm abgelehnt. Dies war der Beginn ihres lebenslangen Kampfes, um die Künste auszugleichen und zu demokratisieren.
Ihre 1929 stammende Skulptur „Gamin“ of a Child from Harlem erhielt schließlich Anerkennung und ein Stipendium an der Academie de la Grande Chaumiére in Paris. Nachdem sie zahlreiche Preise gewonnen und zahlreiche Ausstellungen gezeigt hatte, kehrte Savage 1931 in die USA zurück und gründete ihr eigenes Studio of Arts and Crafts. 1934 wurde Savage als erste afroamerikanische Künstlerin in die National Association of Women Painters and Sculptors gewählt.
Dies hielt sie nicht davon ab, bahnbrechende Arbeit zu leisten und beispiellose Errungenschaften zu vollbringen, wie als eine von vier Frauen, die einen Auftrag von der Weltausstellung 1939 erhielten. Während ihrer verschiedenen Erfolge lehrte sie immer wieder Kunst für ihre Gemeinschaft.
Maria Schendel (1919–1988)
Als jüdischer Flüchtling aus der Schweiz, die in Italien katholisch aufwuchs, floh Maria Schendel 1949 wegen der rückläufigen Wirtschaft in Europa nach Brasilien. Heute gilt Schendel als eine der produktivsten und bedeutendsten Nachkriegskünstlerinnen Lateinamerikas. Sie soll das Gesicht der europäischen Moderne in Brasilien neu erfunden haben. Schendel war außerhalb Brasiliens erst 2013 bekannt, wo die Tate Modern eine Retrospektive ausstellte. Ihre Zeichnungen auf Reispapier, Gemälden und Skulpturen bilden ein einzigartiges und wichtiges Werk.
