Zum Internationalen Frauentag präsentiert SINGULART die Geschichten von Frauen in der Kunstwelt, von Kuratorinnen, Kunsthistorikerinnen bis zu Künstlerinnen wie Catherine Morris.
Als unabhängige Kuratorin, bevor sie Chefkuratorin des Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art am Brooklyn Museum wurde, erforscht Catherine, wie der Feminismus die Kunst und unsere Wahrnehmung geprägt hat. In diesem exklusiven Interview erzählte uns Catherine von der Entwicklung ihrer Karriere, ihren Gedanken zum Feminismus und was es bedeutet, eine Frau in der Kunstwelt zu sein, während sie gleichzeitig Tipps für jüngere Generationen gibt. Entdecken Sie hier ihre Welt.
Was war Ihre erste Erfahrung mit Kunst? Warum haben Sie sich für eine Karriere als unabhängige Kuratorin entschieden?
Ich habe zwei Antworten auf diese Frage, eine dumme und eine sinnvolle. Die dumme ist, dass es, als ich 10 oder 11 Jahre alt war, ein Spiel namens Masterpiece gab: ein Brettspiel, bei dem die Spieler Kunst kaufen und verkaufen. Ich erinnere mich, dass ich das Spiel mit Freunden gespielt habe und unbedingt den Jackson Pollock besitzen wollte und ich hatte keine Ahnung warum, ich fühlte mich einfach sehr davon angezogen.
Die wichtige Antwort auf diese Frage ist, dass ich in Washington D.C. aufgewachsen bin und schon als kleines Kind mit meinen Eltern in die National Gallery gegangen bin. Die National Gallery prägte meine Fähigkeit, mir vorzustellen, was es bedeutet, in der Kunstwelt zu arbeiten, was nicht wirklich Teil meiner Kindheit oder Erziehung war. Ich verliebte mich in diesen Ort, und im Nachhinein war einer der wichtigsten Aspekte für mich, dass es kostenlos war. Es war ein Ort, an dem ich in völliger Freiheit ein- und ausgehen konnte – um ein Kunstwerk zu sehen, um Stunden zu verbringen oder einfach, um mich an einem heißen Nachmittag abzukühlen. Als ich in der High School war, entdeckte ich die Kunstgeschichte, und das war der Zeitpunkt, an dem ich wirklich anfing, viel Zeit im Museum zu verbringen. Die National Gallery hatte einen enormen Einfluss auf mein Leben.
Ich spreche immer noch über die Tatsache, dass die National Gallery nicht den Namen von irgendjemandem trägt, es steht an der Tür, dass sie für das Volk ist, und sie war frei, ich hatte Zugang. Das war zutiefst wichtig für mich.
Was hat Sie dazu bewegt, Kunst zu studieren?
Wie ich bereits erwähnt habe, entdeckte ich das Thema Kunst, als ich in der High School war. Meine High School bot einen Kunstgeschichtskurs an und ich war süchtig, und das bin ich seitdem. Wie ich Kuratorin in Museen wurde, war allerdings nicht so direkt. Aber mein Wunsch, Kunstgeschichte zu studieren, hat mich schon als Teenager gepackt.
Ich habe also Kunstgeschichte studiert, aber ich wusste, dass ich nicht promovieren wollte, was viel Zeit und Geld erfordert, und ich kam nicht aus reichen Verhältnissen. Ich wusste nicht, welche Möglichkeiten es gab, aber ich hatte das Glück, mit einem (unbezahlten) Praktikum zu beginnen. Ich arbeitete für eine Non-Profit-Organisation namens Washington Project for the Arts, wo ich etwas über zeitgenössische Praktiken lernte, und das war ausschlaggebend für mich. Dann ging ich zur Hochschule in New York, wo ich einen Master-Abschluss machte.
Ich habe also keinen Doktortitel, ich habe nicht die typischen Zeugnisse, die die meisten Kuratoren in großen Museen haben. Ich habe lange Zeit als unabhängige Kuratorin und in der kommerziellen Kunstwelt für Galerien und als Kunstberaterin gearbeitet. Ich war immer in der Kunstwelt involviert, aber ich sah mich selbst nicht als Kuratorin, bis ich anfing, unabhängig zu arbeiten. Und aus einem Jahrzehnt unabhängiger Arbeit heraus ergab sich die Gelegenheit, zum Brooklyn Museum zu kommen. Das war eine unglaubliche Chance für mich, weil ich noch nie in einem Museum gearbeitet hatte. Was mir von meinen ersten Arbeitstagen am besten in Erinnerung geblieben ist, ist ein intensiver Fall von Imposter-Komplex.
Sie sind seit 2009 Mitglied des Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art am Brooklyn Museum. Können Sie uns etwas mehr über das Center selbst erzählen?
Das Sackler Center wurde 2007 offiziell eröffnet, es ist ein Teil des Brooklyn Museums. Es wurde von der Philanthropin und Aktivistin Elizabeth A. Sackler und Arnold Lehman, dem ehemaligen Direktor des Museums, ins Leben gerufen. Der ursprüngliche Anstoß für Elizabeth Sackler war es, ein Zuhause für The Dinner Party von Judy Chicago zu finden, dem ikonischen Meisterwerk der feministischen Kunst der 1970er Jahre. Elizabeth schlug Arnold vor, dass sie es dem Brooklyn Museum schenken würde, wenn es im Rahmen eines Zentrums für feministische Kunst präsentiert werden könnte – nicht nur in einer Galerie. Das Ziel war es, ein Zentrum zu haben, das Bildung, politischen und feministischen Aktivismus sowie wichtige Werke der zeitgenössischen Kunst und historische Forschung einbezieht und aufeinander abstimmt, wie es The Dinner Party vorschlägt.
Wie definieren Sie feministische Kunst heute?
Einerseits ist die Kunstbewegung, die in Verbindung mit der zweiten Welle des weißen Feminismus in den 1960er bis 1970er Jahren entstand, allgemein als feministische Kunstbewegung bekannt, und The Dinner Party ist das Meisterwerk dieses kunsthistorischen Genres. Neben der Unterstützung der Forschung zu dieser grundlegenden Bewegung hielt ich es auch für notwendig, breiter zu denken: nicht nur über Kunst, die als Teil einer feministischen Bewegung oder einer kunsthistorischen Periode beschrieben werden kann, sondern auch über die breiteren kulturellen und politischen Auswirkungen: Ich sage oft, dass, wenn Sie im Jahr 2021 leben und Kunst und visuelle Kultur betrachten, Sie vom Feminismus beeinflusst worden sind. Er hat die Art und Weise beeinflusst, wie man Objekte ansieht und versteht. Mein Interesse als Kuratorin ist es, zu erforschen, was das bedeutet und wie es sich in unseren Reaktionen auf zeitgenössische und historische Kunst manifestiert?
Mit dieser Offenheit können wir alles durch diese Linse des Feminismus betrachten, und dieser kuratorische Standpunkt spiegelt sich in den Ausstellungen wider, die wir im Zentrum produzieren. Ein Thema mag auf den ersten Blick nicht besonders feministisch erscheinen, aber die Art und Weise, wie es in ein bestimmtes Thema einfließt, ist ein nuancierter und lohnender Ansatz für die kulturelle Auseinandersetzung.
Was war eine Ihrer letzten Ausstellungen, die das Zentrum von seiner besten Seite zeigt?
2017, also vor ein paar Jahren, war das zehnjährige Jubiläum des Zentrums und wir haben ein großes Projekt namens The Year of Yes: Reimagining Feminism im Brooklyn Museum durchgeführt. Eine der vielen Ausstellungen im Rahmen des Projekts wurde von Edward Blieberg kuratiert, dem heutigen Curator Emerita unserer ägyptischen Sammlung. Unter dem Titel A Woman’s Afterlife: Gender Transformation in Ancient Egypt (Geschlechtertransformation im alten Ägypten) präsentierte die Ausstellung neue feministische Forschungen in der Ägyptologie, die das Verständnis von Inschriften auf ägyptischen Grabstätten neu definierten. Gelehrte hatten schon lange Verschiebungen in den Pronomen auf Grabstätten bemerkt, aber nie die Gründe für diese Veränderung betrachtet.
Aufkommende Gelehrsamkeit wies auf eine verblüffende mögliche Erklärung hin: Die alten Ägypter glaubten, dass Männer das Leben gebären, aber Frauen das Leben austragen: Damit eine Frau es im Jenseits schaffen konnte, musste sie also vorübergehend männlich werden, um sich selbst zu gebären und ins Jenseits zu gelangen. Ich denke, dies ist ein besonders ergiebiges Beispiel dafür, wie der Feminismus die Art und Weise verändern kann, wie wir die Geschichte interpretieren, sogar die Geschichte, die lange vor dem Feminismus liegt.
Sie verwenden Feminismus als Forschungsrahmen, wie definieren Sie ihn heute?
Ich denke, dass Feminismus im Grunde eine Menschenrechtsfrage ist, die sich mit sozialen, kulturellen und politischen Ungleichheiten aufgrund des Geschlechts befasst, und dass geschlechtsspezifische Unterdrückung in fast allen Kulturen existiert. Ich erkenne auch an, dass das Wort Feminismus problematisch sein kann, sogar innerhalb von Gemeinschaften von Menschen, die für Geschlechtergerechtigkeit kämpfen. Ich denke, die genaueste Art und Weise, heute über Feminismus zu sprechen, ist, von Feminismen zu sprechen, weil es unzählige Möglichkeiten gibt, wie sich feministisches Denken und Aktivismus in verschiedenen kulturellen Kontexten und historischen Momenten manifestiert.
Mit The Dinner Party wollte Judy Chicago die Geschichte revidieren, die man ihr beigebracht hatte. Jetzt ist es unsere Aufgabe, die wichtige und transformative revisionistische Arbeit, die in den 1970er Jahren begonnen wurde, zu revidieren und darüber zu sprechen, wie der Feminismus – insbesondere der weiße Feminismus – für viele Frauen, insbesondere für farbige Frauen, nicht funktioniert hat. Ich denke, das ist die wichtigste Arbeit des Mainstream-Feminismus heute.
Was ist für Sie das größte Missverständnis über Feminismus heute?
Es sei nur für Frauen wichtig. Feminismus geht alle an. Eine der häufigsten Fragen, die wir im Zentrum bekommen, ist, ob Sie auch Kunst von Männern zeigen. Und die Antwort lautet: Ja, natürlich. Wir zeigen Männer, die sich als Feministen identifiziert haben, und solche, die es nicht tun, genauso wie wir Arbeiten von Künstlern zeigen, die nicht geschlechtskonform sind und sich weder als männlich noch als weiblich sehen.
Ist das der Grund, warum die Menschen heute Angst haben, sich Feministen zu nennen?
Ich habe das Gefühl, dass sich meine Meinung zu dieser Frage oft ändert. Es scheint, als wäre der Feminismus im Laufe einer Woche ein nützlicher Begriff und dann, genauso schnell, ist er ein lächerlicher Begriff. Im Moment ist mein Gefühl dazu: Ist es wirklich ein beängstigender Begriff? Das ist er nicht. Ist er ein unvollkommener Begriff? Sicher, das gebe ich zu. Aber ist es wirklich beängstigend, anerkennen zu wollen, dass ernsthafte und schädliche Ungleichheiten aufgrund der Geschlechtsidentifikation existieren? Dass selbst in einem bemerkenswerten Mainstream-Beispiel: in den USA Frauen im Jahr 2021 immer noch nicht die gleichen gesetzlichen Rechte haben wie Männer?
Als Kuratorin sehe ich es nicht als meine Aufgabe an, Menschen davon zu überzeugen, Feministen zu sein – es ist meine Aufgabe, den Menschen zu zeigen, wie sie vom Feminismus beeinflusst wurden, ob sie es wissen oder nicht. Mein Ziel ist es, unseren Besuchern zu verdeutlichen, wie eine der wichtigsten politischen Bewegungen, die im 20. Jahrhundert entstanden ist, Einfluss darauf hatte, wie sie die Welt sehen. Was bedeutet das heute?
Von wem lassen Sie sich heute am meisten inspirieren?
Es ist so interessant für mich zu sehen, dass die jüngeren Generationen von Menschen – wie Sie! — den Feminismus als gültig und wichtig akzeptieren und dennoch danach streben, die Arbeit der letzten siebzig Jahre zu kritisieren und anzupassen, um dringende Probleme und schwierige Gespräche, die heute entstehen, anzusprechen. Das ist es, was Generationen tun: Sie verdauen den Stress, die Ängste und die Verwirrung einer früheren Generation und sie untersuchen die Fehler und gehen mit Klarheit weiter, um die alten Werkzeuge an die heutigen Prioritäten anzupassen. Das passiert gerade so viel in unserer Welt, und es ist sehr inspirierend.
Wie sieht Ihr kreativer Prozess aus?
Mich in Geschichten, Ideen und Objekte zu verlieben, ist absolut meine primäre Motivation. Die Energie, die gute Projekte antreibt, muss jedoch aus einer Art Relevanz für den aktuellen Moment erwachsen. Meiner Erfahrung nach haben die Ausstellungen, die die Menschen wirklich berühren und einen Eindruck hinterlassen, oft mit Serendipity zu tun – die Welt richtet sich aus, um etwas mit neuen Augen zu sehen. Es dauert normalerweise Jahre, eine Ausstellung zu machen. Wenn man Glück hat, wird das Thema in dieser Zeit nur noch relevanter, aber das kann man nicht kontrollieren.
Wie ist es heute, eine Frau in der Kunstbranche zu sein?
Im Laufe meiner Karriere waren Frauen immer die treibenden Kräfte in der Kunstwelt. Ich denke, es ist wahr, dass Männer die Spitzenpositionen innehaben und Frauen eine Menge unerkannter und falsch zugeschriebener Arbeit geleistet haben. Das hat sich im Laufe der Jahre geändert: Es gibt immer mehr Frauen, die als Museumsdirektoren, leitende Kuratoren und all das arbeiten. Ich denke, dass die Generation, in der ich aufgewachsen bin, in den 90er Jahren und heute, wir alle Feministinnen waren, zumindest alle Leute, mit denen ich abhing. Wir haben uns alle gegenseitig unterstützt.
Sexismus ist absolut Teil meiner Lebenserfahrung: Erwartungen, oder ein Mangel daran und sexuelle, Belästigung waren immer präsent, aber ich habe das Gefühl, dass es sich verändert hat. Im Laufe meiner Karriere gab es die allgemeine Wahrnehmung, dass Männer oft aufgrund ihres Potenzials befördert wurden, während Frauen nur aufgrund ihrer Erfahrung befördert wurden: und die Art und Weise, wie man sich als Frau in der Welt zurechtfindet, war ganz anders, und Männer kamen viel schneller voran. Und Frauen müssen sich oft immer wieder neu beweisen. Ich glaube schon, dass sich das ändert.
Sie haben dennoch Hoffnung für die Zukunft?
Das tue ich, ich habe im Laufe meiner Karriere eine positive Entwicklung gesehen. Sicherlich im letzten Jahr, zum Beispiel mit der Black-Lives-Matter-Bewegung. Es gibt Fortschritte, und ich glaube, dass das, was wir jetzt sehen, die Kunstwelt wirklich verändern wird. Es wird interessant sein zu sehen, wie sich die Veränderungen, die wir gerade erleben, in den kommenden Jahren auf das Feld auswirken werden.
Außerdem gab es in den letzten Jahren so viele weitere monografische Ausstellungen, die Künstlerinnen gewidmet waren – sowohl historische als auch zeitgenössische. Es ist absolut Teil der Struktur des Feldes, diese Ausstellungen heute zu machen, und das war vor 10-20 Jahren noch nicht der Fall. Es ist eine wunderbare Sache, daran teilzuhaben.
Fühlen Sie sich als Frau und Kuratorin von der Kunstszene unterstützt?
Das ist eine schwer zu beantwortende Frage, weil sie sehr persönlich ist. Wie ich mir meinen Weg durch die Kunstwelt gebahnt habe, ist eine persönliche Erfahrung. Ich bin eigentlich ein introvertierter Mensch, und die Menge an sozialen Kontakten, die die Kunstwelt verlangt, kann entmutigend sein. Ich hatte das Glück, in Schlüsselmomenten meiner Karriere Mentoren zu finden. Einer von ihnen war Jon Hendricks, ein erstaunlicher Fluxus-Forscher, Kurator und sozialer Aktivist. Ein anderer war Holly Block, die ich kennenlernte, als ich ihre Praktikantin beim Washington Project for the Arts war und später die Direktorin des Bronx Museums wurde.
Gibt es eine Frau, die Sie heute besonders inspiriert?
Wir sind dabei, nächste Woche die erste monografische Ausstellung von Lorraine O’Grady zu installieren. Lorraine ist eine absolute Inspiration, sie ist 86 Jahre alt und dieses Projekt mit dem Titel Lorraine O’Grady: Both/And ist ihre erste monografische Museumsausstellung. Lorraine wurde im Alter von 45 Jahren Künstlerin, nachdem sie zuvor als Rockkritikerin für die Rolling Stones, als Übersetzerin und als Geheimdienstanalystin für die US-Regierung gearbeitet hatte. Sie hatte ein außergewöhnliches Leben und ein erstaunliches Werk, das die Menschen besser kennenlernen sollten. Sie inspiriert mich.
Haben Sie irgendwelche Ratschläge für die jüngere Generation?
Das Leben und die Karriere sind keine Dinge, die sich in einer geraden Linie entfalten, zumindest nicht für mich. Eine Konstante, auf die ich verweisen kann, ist die Gruppe von Menschen, mit denen ich schon früh in meiner Karriere in Kontakt kam. Mein Rat ist, Leute zu finden, die Ihre Leidenschaft teilen – schauen Sie sich mit ihnen Kunst an, diskutieren Sie mit ihnen Kritik, gehen Sie mit ihnen durch Ihre Karriere, denn das sind die Leute, die Sie am besten und am längsten kennen werden. Das sind die Leute, deren Karrieren sich parallel zu Ihrer eigenen bewegen werden und die Ihnen wichtige Unterstützung bieten können. Halten Sie an dieser Gruppe fest – Sie werden am längsten zusammen sein.
Titelbild : Copyright Grace Roselli
