Pop Art ist eine Bewegung, die im Großbritannien der 1950er Jahre entstanden ist und im Amerika der 1960er Jahre zu enormen Erfolgen geführt hat. Pop Art beschäftigte sich mit einer neuen kühnen Ästhetik, die von der Popkultur wie Werbung und Comics inspiriert wurde und war eine Zelebrierung des Alltäglichen und des Kitschs. Die Bewegung ist ein Spiegelbild der Zeit und handelte von Massenreproduktionen unter Verwendung neuer künstlerischer Techniken wie Siebdruck.
Verschwende deine Jugend, Super Pop Boy, 2017, Acryl auf Leinwand, 110 x 90 cm
Wie bei vielen künstlerischen Bewegungen entstand Pop Art aus einer Rebellion gegen die dominierenden Bewegungen und Ansätze der Kunst, die vorher populär waren. Junge Künstler konnten nichts finden, was ihre Realitäten in den Museen oder in ihren Klassenzimmern widerspiegelte und sich so in ihre unmittelbare Umgebung übertragen ließ. Die Verwendung populärer und oft kommerzieller Bilder als Inspiration war eine offene Herausforderung für die elitäre Kultur der Kunst.
Die Bewegung und tatsächlich auch der Begriff Pop Art wurde 1957 vom britischen Künstler Richard Hamilton geprägt als er einen Brief an Freunde schrieb, in dem er die Eigenschaften dieser kühnen neuen Ästhetik darlegte. Er erklärte, dass die Bewegung für ein junges Massenpublikum konzipiert sei und dass die Bildsprache entbehrlich, massenhaft, mutig, sexy und witzig wäre und von der Massen-Popkultur inspiriert wäre. Nach dem emotional gewichtigen und intensiven Werk der abstrakten Expressionisten wie Mark Rothko und Willem de Kooning waren die modernistischen Kunstkritiker von dieser Feier der „Low Brow“ Kultur und dieser neuen Idee des Künstlers schockiert.
Während beide von den gleichen Grundideen inspiriert waren, wurden britische und amerikanische Pop Art oft als ziemlich unterschiedlich angesehen. Die Briten wurden von dieser Explosion des Konsums und der Massenmedien aus der Ferne inspiriert, sahen sie von weitem an, aber nicht auf die gleiche Weise. Amerikanische Künstler konnten sich jedoch von ihrer unmittelbaren Umgebung und Erfahrung inspirieren lassen. Die britische Pop Art verfolgte eine viel akademischere Herangehensweise und der Fokus lag darauf die manipulierende Kraft aufzudecken, die Bilder des Konsums zu zeigen und subtile Parodie zu vermitteln. In der amerikanischen Pop Art ging es jedoch darum eine neue Ästhetik zu finden, die sich vom abstrakten Expressionismus mit seiner Neigung zu Symbolik und Emotionen völlig unterschied. Pop-Art-Künstler bekämpften dies mit ihrer Verwendung von kühnen und konkreten Bildern und Farben und ihrer Wahl von unpersönlichen und alltäglichen Themen. Es war eine Rückkehr zur Kunst, die repräsentativ war und die Welt in einer Weise darstellte, die die Menschen sofort erkennen und sich darauf beziehen konnten.
Die Schlüsselfiguren der amerikanischen Pop Art Bewegung sind bis heute für ihre ikonenhaften, kühnen und stilisierten Bilder bekannt. Die Arbeiten von Jasper Johns und Robert Rauschenberg werden oft als Proto-Pop gesehen, da sich die Ästhetik von dem Stil unterscheidet, der in den 60ern wirklich explodierte. Roy Lichtenstein ist ein Name, der am häufigsten mit der Bewegung assoziiert wird, da seine sanfte Parodie auf das Subjekt und die starke, mechanische Stilsprache typisch für diesen Stil sind. Er malte mit Öl auf Leinwand und verwendete häufig Bilder aus Comicbüchern, die mit kräftigen schwarzen Konturen und leuchtend bunten Punkten das endgültige Bild bildeten, sodass die Bilder von weitem fast fotografisch aussehen und bei näherer Betrachtung eine malerische Qualität erkennen lassen. Andy Warhol ist wohl der am meisten mit der Bewegung verbundene Name und wurde zu einer Kultfigur in der Kunstgeschichte. Seine Bilder von Berühmtheiten wie Marilyn Monroe und Michael Jackson erforschten den Kult der Berühmtheit und die dunklere Seite des Ruhms, die hinter dem glänzenden Äußeren lauert. Er schuf auch einprägsame Bilder weltlicher Alltagsgegenstände, wie die berüchtigte Campbell’s Suppendose. Sein reproduzierbarer Stil, seine lebhaften Farben und sein lustiger Stil machen seine Werke auch heute noch aktuell.
Again and again, Ugo LI, 2016, Öl auf Leinwand, 160 x 110 cm
Die unverschämte Bildsprache der Pop Art der 50er und 60er Jahre ist auch heute noch relevant und die Quelle grenzenloser Inspiration. Künstler wie Warhol verwandelten die Lowbrow in High-Art, was wir heute mit vielen der berühmtesten Künstler der Gegenwart erleben, die diese Grenze zwischen Low- und High-Kultur verwischen. Pop Art ist sowohl unbeschwert als auch ironisch und auch sehr provokativ, aber heute, wie damals, bleibt es Kunst, die über relevante Populärkultur spricht und dabei Bilder aus der Gesellschaft verwendet. Zeitgenössische Pop Art könnte die Form einer riesigen Ballon-Tierskulptur des New Yorker Künstlers Jeff Koons oder eines sofort erkennbaren Punktgemäldes des britischen Künstlers Damien Hirst annehmen.
Kitsch, Brice MOUNIER, 2016, Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm
Viele Singulart-Künstler haben sich von den Themen der Original-Pop-Künstler der 50er und 60er Jahre inspirieren lassen. Man könnte in Frage stellen, ob Pop Art in einer Gesellschaft, die so immun gegen Branding und Konsum ist, immer noch so relevant und abstoßend ist. Während die amerikanische Pop-Bewegung diese aufregende Ankunft von kühnen Bildern und Massenproduktion weitgehend begrüßte, nähern sich die heutigen Künstler dem Thema mit etwas mehr Ironie und versuchen, unsere Besessenheit vom Konsum zu kritisieren. Singulart lädt Sie ein, eine große Vielfalt an Pop-Art-inspirierten und zeitgenössischen Pop-Art-Gemälden von international anerkannten Künstlern wie Virginia Valére, Brice Mounier und Super Pop Boy und auch von aufstrebenden Talenten wie Ugo Li, Anton Unai und den Tinker Brothers zu entdecken. Wir hoffen, dass die brillanten Farben, mutigen Formen und unverschämten Botschaften Sie inspirieren.
